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Ana Sayfaya Dön

El ritón con prótomo de caballo es una de las piezas más excepcionales del célebre Tesoro de Borovo, una obra cumbre de la orfebrería tracia que data de la primera mitad del siglo IV a. C.. Está forjado en plata de alta pureza con un detallado trabajo de dorado...

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El Askòs a ochetta, pequeña oca, es una de las piezas más célebres y entrañables de la arqueología paleoveneciana. Aunque su aspecto tierno y estilizado recuerde al de un juguete moderno, esta vasija de terracota tenía una función ritual y de prestigio sumamente seria. Un askòs es un tipo de vaso originario del mundo mediterráneo que imita la forma de un odre de cuero o, como en este caso, de un animal. Cuenta con una boca para verter líquidos y un asa en la parte superior. Pertenece al siglo IX a.C. período de la cultura de Este o Paleoveneciana, en plena Edad del Hierro, por los que tiene casi 3,000 años de antigüedad. Se utilizaba en banquetes aristocráticos y ceremonias funerarias para contener y verter líquidos sagrados o aceites perfumados. Las aves acuáticas estaban fuertemente vinculadas en sus creencias con el viaje del alma hacia el más allá. Como bien señalas, se custodia con orgullo en el Museo Nazionale Atestino en Este (Padua, Italia), un recinto clave para entender la civilización que habitó el norte de Italia antes de la expansión romana.
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El Askòs a ochetta, pequeña oca, es una de las piezas más célebres y entrañables de la arqueología paleoveneciana. Aunque su aspecto tierno y estilizado recuerde al de un juguete moderno, esta vasija de terracota tenía una función ritual y de prestigio sumamente seria. Un askòs es un tipo de vaso originario del mundo mediterráneo que imita la forma de un odre de cuero o, como en este caso, de un animal. Cuenta con una boca para verter líquidos y un asa en la parte superior. Pertenece al siglo IX a.C. período de la cultura de Este o Paleoveneciana, en plena Edad del Hierro, por los que tiene casi 3,000 años de antigüedad. Se utilizaba en banquetes aristocráticos y ceremonias funerarias para contener y verter líquidos sagrados o aceites perfumados. Las aves acuáticas estaban fuertemente vinculadas en sus creencias con el viaje del alma hacia el más allá. Como bien señalas, se custodia con orgullo en el Museo Nazionale Atestino en Este (Padua, Italia), un recinto clave para entender la civilización que habitó el norte de Italia antes de la expansión romana.

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33,168 görüntüleme • 8 gün önce

San Jorge y el dragón es una célebre pintura al óleo sobre tabla realizada por el maestro renacentista Rafael Sanzio hacia 1506. Actualmente se conserva y exhibe en la Galería Nacional de Arte de Washington D. C.. Es una pintura de gabinete extremadamente pequeña, con un tamaño de apenas 28.5 cm × 21.5 cm. A pesar de su escala, posee un nivel de detalle asombroso, visible en el brillo de la armadura del santo y los arneses del caballo. San Jorge lleva en su pierna izquierda la jarretera azul de la Orden de la Jarretera. El cuadro fue un encargo del duque de Urbino, Guidobaldo da Montefeltro, posiblemente como un obsequio de agradecimiento para el rey Enrique VII de Inglaterra, quien le había concedido dicha distinción. Captura el clímax de la leyenda cristiana; el santo, montado sobre un brioso caballo blanco, clava con fuerza su lanza en el cuello del dragón para salvar a la princesa que se observa rezando al fondo. Rafael pintó una versión previa de este tema (c. 1504) que hoy se conserva en el Museo del Louvre en París, donde el santo utiliza una espada en lugar de una lanza, versión que puedes ver al final de este video original editado para efectos educativos y culturales.
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San Jorge y el dragón es una célebre pintura al óleo sobre tabla realizada por el maestro renacentista Rafael Sanzio hacia 1506. Actualmente se conserva y exhibe en la Galería Nacional de Arte de Washington D. C.. Es una pintura de gabinete extremadamente pequeña, con un tamaño de apenas 28.5 cm × 21.5 cm. A pesar de su escala, posee un nivel de detalle asombroso, visible en el brillo de la armadura del santo y los arneses del caballo. San Jorge lleva en su pierna izquierda la jarretera azul de la Orden de la Jarretera. El cuadro fue un encargo del duque de Urbino, Guidobaldo da Montefeltro, posiblemente como un obsequio de agradecimiento para el rey Enrique VII de Inglaterra, quien le había concedido dicha distinción. Captura el clímax de la leyenda cristiana; el santo, montado sobre un brioso caballo blanco, clava con fuerza su lanza en el cuello del dragón para salvar a la princesa que se observa rezando al fondo. Rafael pintó una versión previa de este tema (c. 1504) que hoy se conserva en el Museo del Louvre en París, donde el santo utiliza una espada en lugar de una lanza, versión que puedes ver al final de este video original editado para efectos educativos y culturales.

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31,006 görüntüleme • 1 ay önce

Está hermosa pieza arqueológica se conoce como el Contenedor de conchas de cauri con un jinete dorado y cuatro bueyes . Es una de las obras maestras absolutas del antiguo Reino de Dian (siglos IV a. C. a II a. C.), una civilización de la Edad del Bronce que floreció en la actual provincia de Yunnan. Este objeto de bronce de valor incalculable pertenece a la colección permanente del Museo Provincial de Yunnan en Kunming. Aunque estéticamente parece una vasija o vasar ceremonial, técnicamente es un contenedor de cauris. Los cauris (pequeñas conchas marinas procedentes del océano Índico) se utilizaban como la moneda de cambio principal y símbolo de inmensa riqueza en el Reino de Dian. Al ser desenterrado en la célebre Tumba 10 del yacimiento de Shizhaishan en 1956, el contenedor aún resguardaba miles de estas conchas en su interior. En el centro exacto de la tapa plana se yergue un caballero montado a caballo sobre una pequeña plataforma elevada. Esta figura humana destaca por estar completamente dorada, lo que denota su altísimo estatus social, posiblemente un rey (Dian Wang) o un aristócrata de la cúspide militar. El caballo tiene el cuello erguido, la boca abierta y la cola curvada con gran dinamismo. Las piezas de Shizhaishan revolucionaron la arqueología china a mediados del siglo XX. El Reino de Dian no dejó registros escritos propios y solo se le conocía vagamente por crónicas de la dinastía Han (como las de Sima Qian). Vasijas como esta funcionaban como "libros de bronce con imágenes", mostrando con un realismo tridimensional apabullante la vestimenta, la fisionomía, la domesticación de animales y las jerarquías de una civilización única que terminó siendo absorbida por el imperio del emperador Han Wudi. Arte en movimiento apoyado con Grok
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Está hermosa pieza arqueológica se conoce como el Contenedor de conchas de cauri con un jinete dorado y cuatro bueyes . Es una de las obras maestras absolutas del antiguo Reino de Dian (siglos IV a. C. a II a. C.), una civilización de la Edad del Bronce que floreció en la actual provincia de Yunnan. Este objeto de bronce de valor incalculable pertenece a la colección permanente del Museo Provincial de Yunnan en Kunming. Aunque estéticamente parece una vasija o vasar ceremonial, técnicamente es un contenedor de cauris. Los cauris (pequeñas conchas marinas procedentes del océano Índico) se utilizaban como la moneda de cambio principal y símbolo de inmensa riqueza en el Reino de Dian. Al ser desenterrado en la célebre Tumba 10 del yacimiento de Shizhaishan en 1956, el contenedor aún resguardaba miles de estas conchas en su interior. En el centro exacto de la tapa plana se yergue un caballero montado a caballo sobre una pequeña plataforma elevada. Esta figura humana destaca por estar completamente dorada, lo que denota su altísimo estatus social, posiblemente un rey (Dian Wang) o un aristócrata de la cúspide militar. El caballo tiene el cuello erguido, la boca abierta y la cola curvada con gran dinamismo. Las piezas de Shizhaishan revolucionaron la arqueología china a mediados del siglo XX. El Reino de Dian no dejó registros escritos propios y solo se le conocía vagamente por crónicas de la dinastía Han (como las de Sima Qian). Vasijas como esta funcionaban como "libros de bronce con imágenes", mostrando con un realismo tridimensional apabullante la vestimenta, la fisionomía, la domesticación de animales y las jerarquías de una civilización única que terminó siendo absorbida por el imperio del emperador Han Wudi. Arte en movimiento apoyado con Grok

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29,097 görüntüleme • 28 gün önce

Este es un casco de bronce de tipo corintio, datado hacia el año 550 a.C. (período arcaico griego). Este tipo de piezas representa la cumbre de la metalurgia militar de la antigüedad y es altamente valorado por coleccionistas y museos. Está martillado a partir de una sola lámina de bronce. Lograr la forma abovedada, la protección de la nariz y las mejillas sin soldaduras requería una destreza técnica excepcional por parte de los antiguos herreros griegos. Presenta aberturas oculares en forma de almendra y un protector nasal prominente. Los bordes de los ojos y de la nariz están decorados con bandas incisas en forma de espina de pescado (herringbone), un motivo geométrico clásico de la época. Las protecciones de las mejillas (piezas de la barbilla) están perforadas en el borde inferior, lo que permitía pasar tiras de cuero para asegurar el casco a la cabeza del hoplita. Proviene de una colección privada del Reino Unido y fue adquirido en el mercado de arte de Londres en la década de 1980. Al haber sido comercializado en los años 80, cumple con los criterios de muchos países y casas de subastas que exigen que las piezas hayan salido de sus países de origen o estén en colecciones privadas antes de la convención de la UNESCO de 1970 o, al menos, varias décadas atrás, reduciendo el riesgo de procedencia ilícita reciente.
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Este es un casco de bronce de tipo corintio, datado hacia el año 550 a.C. (período arcaico griego). Este tipo de piezas representa la cumbre de la metalurgia militar de la antigüedad y es altamente valorado por coleccionistas y museos. Está martillado a partir de una sola lámina de bronce. Lograr la forma abovedada, la protección de la nariz y las mejillas sin soldaduras requería una destreza técnica excepcional por parte de los antiguos herreros griegos. Presenta aberturas oculares en forma de almendra y un protector nasal prominente. Los bordes de los ojos y de la nariz están decorados con bandas incisas en forma de espina de pescado (herringbone), un motivo geométrico clásico de la época. Las protecciones de las mejillas (piezas de la barbilla) están perforadas en el borde inferior, lo que permitía pasar tiras de cuero para asegurar el casco a la cabeza del hoplita. Proviene de una colección privada del Reino Unido y fue adquirido en el mercado de arte de Londres en la década de 1980. Al haber sido comercializado en los años 80, cumple con los criterios de muchos países y casas de subastas que exigen que las piezas hayan salido de sus países de origen o estén en colecciones privadas antes de la convención de la UNESCO de 1970 o, al menos, varias décadas atrás, reduciendo el riesgo de procedencia ilícita reciente.

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45,667 görüntüleme • 9 gün önce

Logramos visitar las bodegas del Museo de Antropología, en donde se conserva el famoso “Huipil de la Malinche”, tejido con un arte desaparecido y que fue encontrado en un mercado de antigüedades de Puebla a finales del siglo XIX. 👇
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Logramos visitar las bodegas del Museo de Antropología, en donde se conserva el famoso “Huipil de la Malinche”, tejido con un arte desaparecido y que fue encontrado en un mercado de antigüedades de Puebla a finales del siglo XIX. 👇

Héctor de Mauleón

122,709 görüntüleme • 1 yıl önce

Un dinosaurio de 25 metros de largo y 4 metros de alto! 🦕 Un Diplodocus fue un gigantesco dinosaurio herbívoro que habitó la Tierra a finales del período Jurásico, hace aproximadamente entre 154 y 152 millones de años, en lo que hoy es América del Norte. Su nombre proviene del griego y significa "doble viga", una referencia directa a la forma única de los huesos de la parte inferior de su cola, los cuales tenían dos extensiones óseas para proteger los vasos sanguíneos. Esta es una monumental réplica en yeso del esqueleto de un Diplodocus carnegii que se encuentra en el Museo de Historia Natural de la Ciudad de México. El molde proviene del dinosaurio original descubierto en 1899 por el paleontólogo William Reed en la Formación Morrison de Wyoming, Estados Unidos. Sabías que este dinosaurio era de este impresionante tamaño?
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Un dinosaurio de 25 metros de largo y 4 metros de alto! 🦕 Un Diplodocus fue un gigantesco dinosaurio herbívoro que habitó la Tierra a finales del período Jurásico, hace aproximadamente entre 154 y 152 millones de años, en lo que hoy es América del Norte. Su nombre proviene del griego y significa "doble viga", una referencia directa a la forma única de los huesos de la parte inferior de su cola, los cuales tenían dos extensiones óseas para proteger los vasos sanguíneos. Esta es una monumental réplica en yeso del esqueleto de un Diplodocus carnegii que se encuentra en el Museo de Historia Natural de la Ciudad de México. El molde proviene del dinosaurio original descubierto en 1899 por el paleontólogo William Reed en la Formación Morrison de Wyoming, Estados Unidos. Sabías que este dinosaurio era de este impresionante tamaño?

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34,155 görüntüleme • 2 ay önce

Sabías que hay más de 100 versiones de esta obra? Hacia 1585, El Greco pintó simultáneamente dos de sus versiones maestras sobre este suceso milagroso, las cuales marcaron el inicio de su producción madura sobre la iconografía de San Francisco de Asís. Ambas piezas están firmadas originalmente por el artista, pero hoy se conservan en ubicaciones muy distintas: •Monasterio de San Lorenzo de El Escorial (Madrid): Esta versión mide 170 x 87 cm y destaca por su formato vertical e imponente. Debido a un recorte histórico en el lienzo, la firma en griego de El Greco quedó incompleta. Puedes consultar los detalles de su catálogo en la ficha histórica de Artehistoria. •Museo de Arte Walters (Baltimore): Creada entre 1585 y 1590, posee un formato más cuadrangular de 102 x 97 cm. En su esquina inferior derecha incluye un papel simulado con la firma "Domenikos Theotokopoulos hizo esto". El análisis de la obra está disponible en la colección en línea del Museo de Arte Walters. El pintor eliminó los paisajes de fondo detallados para concentrar la atención en la luz irreal que emana de la aparición del serafín. Las palmas del santo se exhiben de manera elegante y sutil frente al espectador, permitiendo apreciar los estigmas recién impresos con un mínimo de sangre. La mirada extasiada del santo encaja perfectamente con las exigencias del Concilio de Trento de la época, que buscaba conmover al creyente mediante la emoción directa. El pintor produjo más de 100 versiones de este tema a lo largo de su carrera, destacando por sus figuras alargadas y su intensa atmósfera espiritual. El abordaje de este tema por parte de El Greco eliminó los entornos detallados, centrando toda la fuerza expresiva en la iluminación y la contorsión del cuerpo del santo, un estilo que resonó fuertemente en la sensibilidad religiosa de la España del siglo XVI.
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Sabías que hay más de 100 versiones de esta obra? Hacia 1585, El Greco pintó simultáneamente dos de sus versiones maestras sobre este suceso milagroso, las cuales marcaron el inicio de su producción madura sobre la iconografía de San Francisco de Asís. Ambas piezas están firmadas originalmente por el artista, pero hoy se conservan en ubicaciones muy distintas: •Monasterio de San Lorenzo de El Escorial (Madrid): Esta versión mide 170 x 87 cm y destaca por su formato vertical e imponente. Debido a un recorte histórico en el lienzo, la firma en griego de El Greco quedó incompleta. Puedes consultar los detalles de su catálogo en la ficha histórica de Artehistoria. •Museo de Arte Walters (Baltimore): Creada entre 1585 y 1590, posee un formato más cuadrangular de 102 x 97 cm. En su esquina inferior derecha incluye un papel simulado con la firma "Domenikos Theotokopoulos hizo esto". El análisis de la obra está disponible en la colección en línea del Museo de Arte Walters. El pintor eliminó los paisajes de fondo detallados para concentrar la atención en la luz irreal que emana de la aparición del serafín. Las palmas del santo se exhiben de manera elegante y sutil frente al espectador, permitiendo apreciar los estigmas recién impresos con un mínimo de sangre. La mirada extasiada del santo encaja perfectamente con las exigencias del Concilio de Trento de la época, que buscaba conmover al creyente mediante la emoción directa. El pintor produjo más de 100 versiones de este tema a lo largo de su carrera, destacando por sus figuras alargadas y su intensa atmósfera espiritual. El abordaje de este tema por parte de El Greco eliminó los entornos detallados, centrando toda la fuerza expresiva en la iluminación y la contorsión del cuerpo del santo, un estilo que resonó fuertemente en la sensibilidad religiosa de la España del siglo XVI.

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36,247 görüntüleme • 1 ay önce

Un autorretrato oculto de Rembrandt? La ronda de noche, cuyo nombre original es La compañía militar del capitán Frans Banninck Cocq y el teniente Willem van Ruytenburgh, es la obra maestra del pintor neerlandés Rembrandt van Rijn, pintada entre 1640 y 1642. Actualmente es la joya de la corona del Rijksmuseum de Ámsterdam. Pese a lo que indica su famoso título popular, la escena no ocurre de noche, sino de día; el efecto de nocturnidad se debió a la acumulación de suciedad y la oxidación del barniz a lo largo de los siglos. Se trata de un retrato corporativo de una sección de la milicia de arcabuceros de Ámsterdam, la guardia cívica, encargada de mantener el orden y defender la ciudad. Rembrandt rompió con la tradición de los retratos estáticos al plasmar una escena llena de dinamismo, acción y movimiento. En medio de los soldados destaca una pequeña niña iluminada que lleva un pollo colgado del cinturón. Lejos de ser un detalle aleatorio, las garras del ave eran el emblema oficial del gremio de los mosqueteros. Cuando el cuadro fue trasladado al Ayuntamiento de Ámsterdam, fue mutilado y recortado de sus bordes para lograr que cupiera en su nuevo espacio, perdiendo tres personajes en el lado izquierdo. En 2021, gracias a la Inteligencia Artificial y a copias antiguas, el Rijksmuseum recreó con éxito los pedazos faltantes para exhibirlos temporalmente. La obra ha sobrevivido a tres atentados graves: en 1911 un zapatero intentó rasgarla, en 1975 un hombre con problemas de salud mental le hizo grandes cortes en zigzag con un cuchillo, y en 1990 fue rociada con ácido sulfúrico. Afortunadamente, minuciosas restauraciones lograron salvar el lienzo. Rembrandt se incluyó a sí mismo en La ronda de noche, aunque lo hizo de una forma extremadamente sutil y casi imperceptible. Si observas con mucha atención la multitud en la parte trasera, justo detrás del abanderado (el hombre que sostiene la gran bandera azul y amarilla en el lado izquierdo) y al lado de un soldado con casco, aparece un rostro oculto en las sombras.
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Un autorretrato oculto de Rembrandt? La ronda de noche, cuyo nombre original es La compañía militar del capitán Frans Banninck Cocq y el teniente Willem van Ruytenburgh, es la obra maestra del pintor neerlandés Rembrandt van Rijn, pintada entre 1640 y 1642. Actualmente es la joya de la corona del Rijksmuseum de Ámsterdam. Pese a lo que indica su famoso título popular, la escena no ocurre de noche, sino de día; el efecto de nocturnidad se debió a la acumulación de suciedad y la oxidación del barniz a lo largo de los siglos. Se trata de un retrato corporativo de una sección de la milicia de arcabuceros de Ámsterdam, la guardia cívica, encargada de mantener el orden y defender la ciudad. Rembrandt rompió con la tradición de los retratos estáticos al plasmar una escena llena de dinamismo, acción y movimiento. En medio de los soldados destaca una pequeña niña iluminada que lleva un pollo colgado del cinturón. Lejos de ser un detalle aleatorio, las garras del ave eran el emblema oficial del gremio de los mosqueteros. Cuando el cuadro fue trasladado al Ayuntamiento de Ámsterdam, fue mutilado y recortado de sus bordes para lograr que cupiera en su nuevo espacio, perdiendo tres personajes en el lado izquierdo. En 2021, gracias a la Inteligencia Artificial y a copias antiguas, el Rijksmuseum recreó con éxito los pedazos faltantes para exhibirlos temporalmente. La obra ha sobrevivido a tres atentados graves: en 1911 un zapatero intentó rasgarla, en 1975 un hombre con problemas de salud mental le hizo grandes cortes en zigzag con un cuchillo, y en 1990 fue rociada con ácido sulfúrico. Afortunadamente, minuciosas restauraciones lograron salvar el lienzo. Rembrandt se incluyó a sí mismo en La ronda de noche, aunque lo hizo de una forma extremadamente sutil y casi imperceptible. Si observas con mucha atención la multitud en la parte trasera, justo detrás del abanderado (el hombre que sostiene la gran bandera azul y amarilla en el lado izquierdo) y al lado de un soldado con casco, aparece un rostro oculto en las sombras.

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19,999 görüntüleme • 7 gün önce

Un material audiovisual captó el momento en que se produjo un altercado físico entre un ciudadano y miembros de la Policía Nacional, al momento en que el conductor de una pasola era trasladado hacia el departamento de la institución del orden en la provincia de Santiago Rodríguez. De acuerdo con los datos que acompañan la denuncia del hecho, el enfrentamiento físico se originó en las inmediaciones del recinto policial cuando uno de los agentes actuantes tomó al ciudadano por el torso y tiró de su vestimenta de forma forzosa, lo que provocó la reacción del conductor. El suceso, registrado en el video que circula en medios digitales, muestra el inicio de la confrontación física entre las partes afectadas luego del forcejeo inicial generado durante el proceso de conducción del ciudadano hacia la dotación policial. Las autoridades competentes realizan las indagaciones correspondientes en torno al caso con el objetivo de determinar las circunstancias de la detención original y fijar los niveles de responsabilidad de los involucrados en este incidente. Amplía esta y otras noticias en nuestra página web 📲.
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Un material audiovisual captó el momento en que se produjo un altercado físico entre un ciudadano y miembros de la Policía Nacional, al momento en que el conductor de una pasola era trasladado hacia el departamento de la institución del orden en la provincia de Santiago Rodríguez. De acuerdo con los datos que acompañan la denuncia del hecho, el enfrentamiento físico se originó en las inmediaciones del recinto policial cuando uno de los agentes actuantes tomó al ciudadano por el torso y tiró de su vestimenta de forma forzosa, lo que provocó la reacción del conductor. El suceso, registrado en el video que circula en medios digitales, muestra el inicio de la confrontación física entre las partes afectadas luego del forcejeo inicial generado durante el proceso de conducción del ciudadano hacia la dotación policial. Las autoridades competentes realizan las indagaciones correspondientes en torno al caso con el objetivo de determinar las circunstancias de la detención original y fijar los niveles de responsabilidad de los involucrados en este incidente. Amplía esta y otras noticias en nuestra página web 📲.

Somos Pueblo Media

21,115 görüntüleme • 2 ay önce

Este es el impactante momento, en el que un helicóptero del Ejército aterriza en medio de combates con las disidencias de las Farc en el Cauca para el desembarco de tropa. La aeronave fue recibida a disparos por parte de los criminales.
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Este es el impactante momento, en el que un helicóptero del Ejército aterriza en medio de combates con las disidencias de las Farc en el Cauca para el desembarco de tropa. La aeronave fue recibida a disparos por parte de los criminales.

Revista Semana

290,402 görüntüleme • 2 yıl önce

Sabías que el Quetzalcoatlus es el animal volador más grande que ha existido? Un Quetzalcoatlus es un género extinto de pterosaurio que vivió a finales del período Cretácico (hace unos 68 a 66 millones de años) en América del Norte. No era un dinosaurio, sino un reptil volador, y ostenta el título de ser el animal volador más grande de todos los tiempos. El pterosaurio expuesto en el Museo de Historia Natural y Cultura Ambiental de la CDMX, ubicado en la Segunda Sección del Bosque de Chapultepec, es una réplica a escala real de un Quetzalcoatlus. Se encuentra suspendido en el aire dentro de la Sala de Evolución de la Vida (compartiendo espacio con la famosa réplica del esqueleto del dinosaurio Diplodocus). Al estar colgado del techo con las alas extendidas, permite a los visitantes caminar por debajo de él para dimensionar el tamaño real que tenían los mayores reptiles voladores del planeta. La elección de esta especie para el museo es muy significativa, ya que los primeros fósiles de Quetzalcoatlus fueron descubiertos en la formación Javelina en Texas (una región geológica conectada con el norte de México). Su nombre rinde honor directo al dios prehispánico Quetzalcóatl, la serpiente emplumada. Esta emblemática pieza fue restaurada y reubicada estratégicamente tras la gran renovación integral del conjunto de bóvedas del museo.
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Sabías que el Quetzalcoatlus es el animal volador más grande que ha existido? Un Quetzalcoatlus es un género extinto de pterosaurio que vivió a finales del período Cretácico (hace unos 68 a 66 millones de años) en América del Norte. No era un dinosaurio, sino un reptil volador, y ostenta el título de ser el animal volador más grande de todos los tiempos. El pterosaurio expuesto en el Museo de Historia Natural y Cultura Ambiental de la CDMX, ubicado en la Segunda Sección del Bosque de Chapultepec, es una réplica a escala real de un Quetzalcoatlus. Se encuentra suspendido en el aire dentro de la Sala de Evolución de la Vida (compartiendo espacio con la famosa réplica del esqueleto del dinosaurio Diplodocus). Al estar colgado del techo con las alas extendidas, permite a los visitantes caminar por debajo de él para dimensionar el tamaño real que tenían los mayores reptiles voladores del planeta. La elección de esta especie para el museo es muy significativa, ya que los primeros fósiles de Quetzalcoatlus fueron descubiertos en la formación Javelina en Texas (una región geológica conectada con el norte de México). Su nombre rinde honor directo al dios prehispánico Quetzalcóatl, la serpiente emplumada. Esta emblemática pieza fue restaurada y reubicada estratégicamente tras la gran renovación integral del conjunto de bóvedas del museo.

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41,803 görüntüleme • 2 ay önce

Un juguete de hace 4,000 años… Este es un carro de terracota tirado por bueyes o caballos con un conductor. Es una de las representaciones en tres dimensiones de vehículos con ruedas más antiguas que sobreviven en la historia de la humanidad. Esta pieza proviene de la Antigua Persia (actual Irán). Específicamente, ha sido vinculada a yacimientos arqueológicos de finales del III milenio y principios del II milenio a.C., estrechamente relacionada con culturas de la Edad del Bronce como el asentamiento de Marlik Tepe o civilizaciones del área de Elam y Mesopotamia. Está datada aproximadamente entre el 2000 a.C. y el 1200 a.C. Fabricada de arcilla cocida o terracota. Muestra un par de animales de tiro con formas estilizadas y un eje real de terracota que atraviesa el cuerpo para sostener cuatro ruedas completamente funcionales. Muchas de estas figuras infantiles contaban con pequeñas perforaciones en la parte delantera (en el hocico de los animales) para amarrar un cordel. Los niños de la élite de la Edad del Bronce los jalaban por el suelo como un carro de juguete. La inmensa mayoría de estas piezas intactas se han rescatado en tumbas. Al igual que los carritos encontrados en la cercana Mesopotamia o Anatolia, se enterraban junto a los niños o adultos nobles como un regalo simbólico para su viaje o entretenimiento en el más allá. Representa un testimonio invaluable de cómo las sociedades antiguas asimilaron tecnológicamente la invención de la rueda y el transporte terrestre, replicándolo tanto a escala real en sus ejércitos y agricultura, como a escala miniatura para sus hijos y rituales sagrados.
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Un juguete de hace 4,000 años… Este es un carro de terracota tirado por bueyes o caballos con un conductor. Es una de las representaciones en tres dimensiones de vehículos con ruedas más antiguas que sobreviven en la historia de la humanidad. Esta pieza proviene de la Antigua Persia (actual Irán). Específicamente, ha sido vinculada a yacimientos arqueológicos de finales del III milenio y principios del II milenio a.C., estrechamente relacionada con culturas de la Edad del Bronce como el asentamiento de Marlik Tepe o civilizaciones del área de Elam y Mesopotamia. Está datada aproximadamente entre el 2000 a.C. y el 1200 a.C. Fabricada de arcilla cocida o terracota. Muestra un par de animales de tiro con formas estilizadas y un eje real de terracota que atraviesa el cuerpo para sostener cuatro ruedas completamente funcionales. Muchas de estas figuras infantiles contaban con pequeñas perforaciones en la parte delantera (en el hocico de los animales) para amarrar un cordel. Los niños de la élite de la Edad del Bronce los jalaban por el suelo como un carro de juguete. La inmensa mayoría de estas piezas intactas se han rescatado en tumbas. Al igual que los carritos encontrados en la cercana Mesopotamia o Anatolia, se enterraban junto a los niños o adultos nobles como un regalo simbólico para su viaje o entretenimiento en el más allá. Representa un testimonio invaluable de cómo las sociedades antiguas asimilaron tecnológicamente la invención de la rueda y el transporte terrestre, replicándolo tanto a escala real en sus ejércitos y agricultura, como a escala miniatura para sus hijos y rituales sagrados.

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30,138 görüntüleme • 4 gün önce

La estatua de Augusto de Prima Porta es una de las obras maestras más icónicas de la escultura de la Antigua Roma. Creada a principios del siglo I d.C. (probablemente alrededor del año 14 d.C.), representa al primer emperador romano, César Augusto, en su rol de jefe supremo de los ejércitos (imperator). Se conserva y exhibe en los Museos Vaticanos en Roma. Fue hallada el 20 de abril de 1863 en la Villa de Livia, la residencia de campo de la esposa de Augusto, en la zona de Prima Porta, al norte de Roma. Es una escultura de bulto redondo tallada en mármol blanco de Carrara. Mide 2.04 metros de altura. Se considera una copia en mármol de un original de bronce de alta calidad, encargado por el Senado romano hacia el año 20 a.C. para celebrar una gran victoria diplomática. La estatua no es solo un retrato; es una poderosa pieza de propaganda política y religiosa cargada de simbolismo. La anatomía y la pose están directamente inspiradas en el Doríforo del escultor griego Policleto. Esto asocia la figura de Augusto con la perfección, la belleza ideal y la edad de oro de la Grecia clásica clásica. Augusto aparece descalzo (un rasgo reservado en el arte para los héroes y los dioses) y con el brazo derecho levantado, dirigiéndose firmemente a sus tropas. A los pies de su pierna derecha se encuentra Cupido montando un delfín. Esto recuerda el origen divino de la dinastía Julio-Claudia, la cual afirmaba descender directamente de la diosa Venus a través de Eneas. El relieve central de su armadura es el mensaje político más importante. Muestra a un rey parto devolviendo las insignias militares oficiales que los romanos habían perdido años atrás en batallas humillantes. La escena está rodeada por dioses del cosmos (el Sol, la Luna, la Tierra), indicando que el imperio de Augusto cuenta con el respaldo y la aprobación del universo entero. Arte en movimiento apoyado con Grok
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La estatua de Augusto de Prima Porta es una de las obras maestras más icónicas de la escultura de la Antigua Roma. Creada a principios del siglo I d.C. (probablemente alrededor del año 14 d.C.), representa al primer emperador romano, César Augusto, en su rol de jefe supremo de los ejércitos (imperator). Se conserva y exhibe en los Museos Vaticanos en Roma. Fue hallada el 20 de abril de 1863 en la Villa de Livia, la residencia de campo de la esposa de Augusto, en la zona de Prima Porta, al norte de Roma. Es una escultura de bulto redondo tallada en mármol blanco de Carrara. Mide 2.04 metros de altura. Se considera una copia en mármol de un original de bronce de alta calidad, encargado por el Senado romano hacia el año 20 a.C. para celebrar una gran victoria diplomática. La estatua no es solo un retrato; es una poderosa pieza de propaganda política y religiosa cargada de simbolismo. La anatomía y la pose están directamente inspiradas en el Doríforo del escultor griego Policleto. Esto asocia la figura de Augusto con la perfección, la belleza ideal y la edad de oro de la Grecia clásica clásica. Augusto aparece descalzo (un rasgo reservado en el arte para los héroes y los dioses) y con el brazo derecho levantado, dirigiéndose firmemente a sus tropas. A los pies de su pierna derecha se encuentra Cupido montando un delfín. Esto recuerda el origen divino de la dinastía Julio-Claudia, la cual afirmaba descender directamente de la diosa Venus a través de Eneas. El relieve central de su armadura es el mensaje político más importante. Muestra a un rey parto devolviendo las insignias militares oficiales que los romanos habían perdido años atrás en batallas humillantes. La escena está rodeada por dioses del cosmos (el Sol, la Luna, la Tierra), indicando que el imperio de Augusto cuenta con el respaldo y la aprobación del universo entero. Arte en movimiento apoyado con Grok

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50,786 görüntüleme • 1 ay önce

ESTE DOMINGO EN @armandoinfo: Como en las escenas de la película "La Zona de Interés", el candor de un vecindario de Colinas de Santa Mónica convivía con el infierno de los vejámenes y las torturas que propinaban los agentes del Sebin en una de sus quintas.
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ESTE DOMINGO EN @armandoinfo: Como en las escenas de la película "La Zona de Interés", el candor de un vecindario de Colinas de Santa Mónica convivía con el infierno de los vejámenes y las torturas que propinaban los agentes del Sebin en una de sus quintas.

Ewald Scharfenberg

50,710 görüntüleme • 6 ay önce

El caballo blanco es una de las obras cumbres de Joaquín Sorolla y Bastida, pintada al óleo sobre lienzo en el verano de 1909. Esta pieza monumental de 205 × 250 cm captura la esencia del luminismo valenciano y se resguarda de forma permanente en el Museo Sorolla en Madrid. La obra retrata un momento cotidiano de la costa: un adolescente desnudo guiando por la brida a un imponente caballo blanco que sale del mar tras refrescarse o ayudar en las labores de las barcas pesqueras. Sorolla sitúa la perspectiva muy alta, a la altura de los ojos del muchacho. Al inclinar el objetivo visual hacia el agua, la línea del horizonte se reduce a una estrecha franja superior. De este modo, evita el deslumbramiento directo del cielo y concentra toda la atención en los reflejos sobre la orilla. Aunque el animal es llamado "blanco", la realidad es que el pelaje mojado absorbe la luz del entorno. Sorolla utiliza una rica gama de azules, grises, e incluso destellos de naranja en el vientre del equino para simular el reflejo exacto de la arena húmeda. La piel brillante de los protagonistas, el goteo del agua y la espuma marina están resueltos con empastes gruesos y pinceladas sueltas y largas. El cuadro captura con tal fidelidad el momento natural que el lienzo original conserva pequeños granos de arena de la playa del Cabañalincrustados en sus pigmentos. El pintor sentía un aprecio tan profundo por este lienzo de su etapa de madurez que, a pesar del abrumador éxito que tuvo en sus exhibiciones por Estados Unidos en 1911, nunca quiso venderlo y prefirió conservarlo en su propio estudio de trabajo hasta el final de sus días.
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El caballo blanco es una de las obras cumbres de Joaquín Sorolla y Bastida, pintada al óleo sobre lienzo en el verano de 1909. Esta pieza monumental de 205 × 250 cm captura la esencia del luminismo valenciano y se resguarda de forma permanente en el Museo Sorolla en Madrid. La obra retrata un momento cotidiano de la costa: un adolescente desnudo guiando por la brida a un imponente caballo blanco que sale del mar tras refrescarse o ayudar en las labores de las barcas pesqueras. Sorolla sitúa la perspectiva muy alta, a la altura de los ojos del muchacho. Al inclinar el objetivo visual hacia el agua, la línea del horizonte se reduce a una estrecha franja superior. De este modo, evita el deslumbramiento directo del cielo y concentra toda la atención en los reflejos sobre la orilla. Aunque el animal es llamado "blanco", la realidad es que el pelaje mojado absorbe la luz del entorno. Sorolla utiliza una rica gama de azules, grises, e incluso destellos de naranja en el vientre del equino para simular el reflejo exacto de la arena húmeda. La piel brillante de los protagonistas, el goteo del agua y la espuma marina están resueltos con empastes gruesos y pinceladas sueltas y largas. El cuadro captura con tal fidelidad el momento natural que el lienzo original conserva pequeños granos de arena de la playa del Cabañalincrustados en sus pigmentos. El pintor sentía un aprecio tan profundo por este lienzo de su etapa de madurez que, a pesar del abrumador éxito que tuvo en sus exhibiciones por Estados Unidos en 1911, nunca quiso venderlo y prefirió conservarlo en su propio estudio de trabajo hasta el final de sus días.

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59,296 görüntüleme • 29 gün önce

La icónica Bodeguita del Medio data de 1942, se ubica en el corazón de La Habana Vieja, en Cuba. Al principio se llamaba ‘La Casa Martínez’, su fundador, Ángel Martínez, tenía ahí una pequeña tienda de víveres que, casi por accidente, terminó transformándose en un centro de reunión para intelectuales y bohemios cubanos que buscaban refugio tras visitar la imprenta cercana. El nombre actual surgió de forma natural entre sus clientes, ya que, a diferencia de la mayoría de los comercios que ocupaban las esquinas estratégicas de la ciudad, este histórico establecimiento se encontraba situado justo a la mitad de la calle Empedrado. ​Con el paso de las décadas, el local se consolidó como un símbolo de la identidad cubana, fusionando la gastronomía criolla con el son y el bolero. Su fama internacional creció gracias a las anécdotas, firmas y grabados que visitantes ilustres dejaron en sus muros, convirtiendo sus paredes en un auténtico archivo histórico visual. A pesar del paso del tiempo y de las circunstancias, ha logrado mantenerse en pie, fiel a su esencia. Más allá del mito del mojito y de las historias de grandes escritores, La Bodeguita del Medio permanece como un testimonio vivo de la época dorada de Cuba, donde el aroma del tabaco y la música en directo crean una atmósfera que parece detenida en el tiempo.
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La icónica Bodeguita del Medio data de 1942, se ubica en el corazón de La Habana Vieja, en Cuba. Al principio se llamaba ‘La Casa Martínez’, su fundador, Ángel Martínez, tenía ahí una pequeña tienda de víveres que, casi por accidente, terminó transformándose en un centro de reunión para intelectuales y bohemios cubanos que buscaban refugio tras visitar la imprenta cercana. El nombre actual surgió de forma natural entre sus clientes, ya que, a diferencia de la mayoría de los comercios que ocupaban las esquinas estratégicas de la ciudad, este histórico establecimiento se encontraba situado justo a la mitad de la calle Empedrado. ​Con el paso de las décadas, el local se consolidó como un símbolo de la identidad cubana, fusionando la gastronomía criolla con el son y el bolero. Su fama internacional creció gracias a las anécdotas, firmas y grabados que visitantes ilustres dejaron en sus muros, convirtiendo sus paredes en un auténtico archivo histórico visual. A pesar del paso del tiempo y de las circunstancias, ha logrado mantenerse en pie, fiel a su esencia. Más allá del mito del mojito y de las historias de grandes escritores, La Bodeguita del Medio permanece como un testimonio vivo de la época dorada de Cuba, donde el aroma del tabaco y la música en directo crean una atmósfera que parece detenida en el tiempo.

Juana Peña

71,553 görüntüleme • 5 ay önce

AVALANCHA DE CAMIONES EN LOS PUERTOS DE ROSARIO POR EL FUERTE AVANCE DE LA COSECHA DE GRANOS El avance de la cosecha gruesa tras el fin de las lluvias y el levantamiento del paro de transportistas generó un fuerte ingreso de camiones a los puertos del Gran Rosario, con más de 6.000 unidades en un solo día, en su mayoría cargadas con soja y también con maíz. En total se transportaron más de 196.000 toneladas de granos, lo que implicó un aumento cercano al 30% respecto de la semana anterior. El movimiento refleja la aceleración en la recolección, especialmente de soja, que hasta la semana pasada solo alcanzaba el 10% del área sembrada a nivel nacional. Con mejores condiciones climáticas, los productores avanzan para evitar pérdidas, en un contexto de largas filas de camiones en los accesos a los puertos. (+) en Clarín:
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AVALANCHA DE CAMIONES EN LOS PUERTOS DE ROSARIO POR EL FUERTE AVANCE DE LA COSECHA DE GRANOS El avance de la cosecha gruesa tras el fin de las lluvias y el levantamiento del paro de transportistas generó un fuerte ingreso de camiones a los puertos del Gran Rosario, con más de 6.000 unidades en un solo día, en su mayoría cargadas con soja y también con maíz. En total se transportaron más de 196.000 toneladas de granos, lo que implicó un aumento cercano al 30% respecto de la semana anterior. El movimiento refleja la aceleración en la recolección, especialmente de soja, que hasta la semana pasada solo alcanzaba el 10% del área sembrada a nivel nacional. Con mejores condiciones climáticas, los productores avanzan para evitar pérdidas, en un contexto de largas filas de camiones en los accesos a los puertos. (+) en Clarín:

Clarín

21,614 görüntüleme • 4 ay önce

En el bicentenario del Combate Naval de Los Pozos, la Armada Argentina recreó la gesta del 11 de junio de 1826 para revivir el ingenio, la determinación y el coraje con los que el almirante Guillermo Brown y sus hombres enfrentaron en el Río de la Plata, frente a la ciudad de Buenos Aires, a una flota muy superior durante la Guerra contra el Imperio del Brasil y obtuvieron una de las victorias más significativas de nuestra historia naval. A 200 años de la célebre orden “Fuego rasante, que el pueblo nos contempla”, el liderazgo y la decisión que distinguieron a Brown y a los vencedores del Combate de Los Pozos siguen siendo una referencia para los hombres y mujeres de la Armada Argentina, que honran el legado del Padre de la Patria en el Mar con vocación de servicio y un compromiso permanente con la defensa de la Nación.
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En el bicentenario del Combate Naval de Los Pozos, la Armada Argentina recreó la gesta del 11 de junio de 1826 para revivir el ingenio, la determinación y el coraje con los que el almirante Guillermo Brown y sus hombres enfrentaron en el Río de la Plata, frente a la ciudad de Buenos Aires, a una flota muy superior durante la Guerra contra el Imperio del Brasil y obtuvieron una de las victorias más significativas de nuestra historia naval. A 200 años de la célebre orden “Fuego rasante, que el pueblo nos contempla”, el liderazgo y la decisión que distinguieron a Brown y a los vencedores del Combate de Los Pozos siguen siendo una referencia para los hombres y mujeres de la Armada Argentina, que honran el legado del Padre de la Patria en el Mar con vocación de servicio y un compromiso permanente con la defensa de la Nación.

Ministerio de Defensa

12,645 görüntüleme • 3 ay önce

El Palacio de Peterhof, conocido globalmente como el "Versalles ruso", es un deslumbrante conjunto de palacios, jardines y fuentes mandado a construir por el zar Pedro el Grande a principios del siglo XVIII. Está ubicado a unos 29 kilómetros al suroeste de San Petersburgo, en la costa del golfo de Finlandia, y sirvió como la fastuosa residencia imperial de verano de los zares hasta la caída de la monarquía en 1917. Es la estructura central del parque inferior; un monumental sistema hidráulico con 64 estatuas de bronce dorado y más de 200 chorros de agua que fluyen directamente hacia el mar a través del Canal Marino. Situada en la base de la cascada, proyecta un chorro de agua vertical de 20 metros que brota de la boca de un león. Representa la victoria de Rusia sobre Suecia. Video grabado con fines culturales
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El Palacio de Peterhof, conocido globalmente como el "Versalles ruso", es un deslumbrante conjunto de palacios, jardines y fuentes mandado a construir por el zar Pedro el Grande a principios del siglo XVIII. Está ubicado a unos 29 kilómetros al suroeste de San Petersburgo, en la costa del golfo de Finlandia, y sirvió como la fastuosa residencia imperial de verano de los zares hasta la caída de la monarquía en 1917. Es la estructura central del parque inferior; un monumental sistema hidráulico con 64 estatuas de bronce dorado y más de 200 chorros de agua que fluyen directamente hacia el mar a través del Canal Marino. Situada en la base de la cascada, proyecta un chorro de agua vertical de 20 metros que brota de la boca de un león. Representa la victoria de Rusia sobre Suecia. Video grabado con fines culturales

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15,908 görüntüleme • 4 ay önce